Der Dialog mit dem Untergrund

Foto: Konrad Ciszkowski

Warum bist du Künstlerin geworden? 

Ich beschäftige mich schon so lange mit Kunst, dass ich mich kaum daran erinnere, wie alles angefangen hat. Als Kind habe ich immer irgendetwas gezeichnet, modelliert oder später geschrieben – das war meine liebste Art, Zeit zu verbringen. Zusammen mit meiner Schwester und einer Gruppe von Kindern hatten wir auch so etwas wie eine Theatergruppe und führten gemeinsam Aufführungen auf. 

Meine Mutter war Kamerafrau und Dokumentarfilmerin, daher waren sowohl Kunst als auch Bücher seit meiner Kindheit in unserem Zuhause präsent. Meine Großmutter wiederum infizierte mich mit ihrer Liebe zur Antike, brachte mir lateinische Sprichwörter bei und las mir die Mythologie von Parandowski vor. Es gab eine Zeit, in der mich diese Welt vollkommen verschlang, und nach der Grundschule bestand ich die Aufnahmeprüfung für eine humanistische Klasse mit Latein und Griechisch. Das war eine schwierige Schule, und damals gab ich das künstlerische Schaffen beinahe vollständig auf – abgesehen von Zeichnungen, die ich während des Unterrichts hinten in meine Hefte kritzelte.

Nach dem Abitur begann ich Polonistik an der Universität Warschau zu studieren, fühlte mich dort aber überhaupt nicht am richtigen Platz. In dieser Zeit war ich mit einem Jungen zusammen, der von einer Filmkarriere träumte, und so hatte er viele Freunde aus künstlerischen Kreisen. Eines Tages dachte ich mir: Ich habe doch früher auch gemalt und geschaffen. Ich meldete mich für Kunstkurse an – und danach gab es kein Zurück mehr. Mit dieser einen Entscheidung fiel plötzlich alles an seinen Platz, und der weitere Weg ergab sich wie von selbst.

Wichtig sind für mich Arbeiten, die in irgendeiner Weise einen Wendepunkt darstellten. Vor Kurzem sah ich bei Freunden an der Wand ein Mosaik, das ich ihnen vor 20 Jahren zur Hochzeit geschenkt hatte … Es war mein erstes Werk in dieser Technik, ein Quadrat von 50 × 50 cm mit einem dekorativen Geflecht. Gerade dieses Werk brachte mich dazu, mich mit Mosaik zu beschäftigen, was schließlich zu meinem Studium in Ravenna führte und ein Abenteuer begann, das bis heute andauert. 

Ein zweites wichtiges Werk hängt derzeit im Atelier meiner italienischen Diplom-Betreuerin Luciana Notturni. Luciana ist in Ravenna eine Institution, eine große Dame der Mosaikkunst, der ich sehr viel verdanke. Als ich mein Studium abschloss, kaufte sie mir ein kleines Werk ab – ich weiß nicht, ob eher, weil es ihr gefiel, oder um mir zu helfen, denn damals war ich völlig mittellos. Es war mein erster Versuch, Malerei mit Mosaik zu verbinden: eine Innenraumszene in Freskotechnik, wobei das Licht in den Fenstern mit goldenen Mosaiktesserae dargestellt wurde. Ein Experiment. Lucianas Zustimmung gab mir den Mut, diesen Weg weiterzugehen. Jedes Mal, wenn ich sie in Ravenna besuche, betrachte ich dieses Werk mit Nostalgie.

Es ist leicht zu erkennen, dass mich vor allem die alte Kunst inspiriert. Ich mag konzentrierte, stille Malerei. Sehr gern würde ich einmal die Bilder von Andrew Wyeth sehen – dem Maler der Stille und der Hunde. Es überrascht wohl auch nicht, dass ich zeitgenössische figurative Maler wie Michael Borremans, Luc Tuymans, Marlene Dumas oder Adrian Ghenie schätze. Mir fällt auch der tschechische Künstler Jaromír Novotný ein, der minimalistische abstrakte Bilder unter Verwendung synthetischer Organza schafft. Es gab eine Zeit, in der ich selbst mit Organza experimentierte und zufällig auf seine Arbeiten stieß. Mich faszinierte, wie er Strenge und Disziplin mit Zartheit verbinden kann. Aufgrund meiner Interessen verfolge ich auch Maler, die mit steinernen Bildträgern arbeiten, wie Nicola Samorì oder Pieter Vermeersch. Ich mag die von Marmoradern inspirierte, esoterische Malerei von Kerstin Brätsch. Sehr berühren mich auch die Aquarelle von Urszula Broll. Meiner Meinung nach ist sie eine stark unterschätzte polnische Künstlerin.

Das wesentliche Element meiner bildnerischen Sprache ist der Dialog mit dem Untergrund. Eine weiße, stumme Fläche schüchtert mich ein; ich versuche, einen Zustand zu erreichen, in dem im Moment des Arbeitsbeginns bereits ein Inhalt im Untergrund enthalten ist, auf den ich antworten muss. Dieser Inhalt kann ein Mosaik sein, mit dem ich gewöhnlich beginne, die Struktur eines Putzes oder schließlich die Zeichnung eines Steins, auf die ich die übrigen Elemente im nächsten Schritt „abstimmen“ und in sie integrieren muss. 

Im Fall des Mosaiks ist die Situation am kompliziertesten, weil ich dort „bei null“ beginne. Das Mosaik muss zuvor entworfen und das Material passend zugeschnitten werden; deshalb ist dies die am wenigsten spontane Phase der Arbeit und zugleich die am wenigsten veränderbare. Natürlich kann man ein Mosaik verfugen, glätten, altern lassen oder mit Farbe überziehen, doch die Anordnung der Tesserae und der damit verbundene Rhythmus bleiben unverändert. Aufgrund seiner reliefartigen Eigenschaften dominiert das Mosaik auch die übrigen Elemente – ähnlich wie malerisches Impasto tritt es immer in den Vordergrund. Ist das Mosaik einmal vollendet, wird es zu einem Untergrund wie eine Steinplatte oder ein verputzter Träger. In der Folge bestimmt jedes Mal der Untergrund die weiteren Schritte. Es kam vor, dass ich ein Mosaik im Hinblick auf ein bestimmtes Gemälde entwarf, das ich damit kombinieren wollte. Und dann stellte sich nach dem Malen heraus, dass das Bild nicht passte, fremd wirkte. Also musste ich es entfernen und warten, bis das Mosaik mir selbst eine andere Lösung vorgab. Alan Watts führte bei der Beschreibung fernöstlicher Kunstprozesse die Begriffe des „unbearbeiteten Blocks“ und der „ungefärbten Seide“ ein. Diese Begriffe bedeuten gemäß dem taoistischen Prinzip des wu wei, dass der Künstler beim Arbeiten mit Materie nicht versucht, die Natur zu beherrschen; er verändert sie, aber in die Richtung, in die sie selbst bereits strebt. Der Künstler fragt den rohen Steinblock: „Was möchtest du werden? Und ich werde mit dir zusammenarbeiten, um dich zur Vollendung zu bringen.“ Dieses Denken resoniert stark mit meiner eigenen Arbeitsweise. Und wenn es in meiner Praxis ein Ritual oder ein konstantes Element gibt, dann genau diese Frage. Eigentlich lautet sie in meinem Fall nicht einmal so sehr „Was möchtest du werden?“, sondern vielmehr: „Was bist du bereits?“ Und die Antwort kommt.

Ich beneide Künstler, denen das Schaffen leichtfällt und die Freude am kreativen Prozess empfinden. Manchmal auch jene, die schnell arbeiten. Mein kreativer Prozess ist langsam und fast immer schwierig. Selten bin ich zufrieden mit dem, was ich mache. Kritisches Denken ist notwendig, sogar unverzichtbar, um seine Arbeit gut auszuführen. Dennoch beneide ich jene unbekümmerten Künstler, die nicht unter der Last des Perfektionismus leiden. 

Was hat die polnische Kunst zu bieten? Was sind die interessantesten Entwicklungen? 

Obwohl ich an der Warschauer Akademie arbeite, fühle ich mich nicht als Expertin für polnische Kunst. Meine Karriere entwickelte und entwickelt sich hauptsächlich im Ausland. Zweifellos ist die polnische Kunstszene sehr dynamisch, es gibt viele außerordentlich talentierte Künstlerinnen und Künstler. Das gilt auch für die Studierenden, mit denen die Zusammenarbeit angenehm ist, weil sie ein Bewusstsein für Form besitzen. Unterscheiden sie sich durch etwas Besonderes? Mit gewisser Vorsicht würde ich sagen: durch die Kenntnis traditioneller handwerklicher Techniken, die an westlichen Kunstakademien kaum noch gelehrt werden. Mit Vorbehalt deshalb, weil auch bei uns diese Fähigkeiten immer weniger gefragt sind. 

Das ist schwer vorstellbar. Das Schaffen definiert mein Sein in der Welt in hohem Maße. Ich weiß nicht, ob ich ohne Kunst leben könnte. Ich denke, wenn ich dazu in der Lage wäre, würde ich längst etwas anderes machen. Natürlich teile ich meine Zeit zwischen Kunst und Lehre auf: Ich bin Assistentin in einem Zeichenatelier an der Akademie der Bildenden Künste in Warschau und leite außerdem private Workshops, in denen ich meine kreative Methode unterrichte. Ich mag körperliche Arbeit, Haus- und Gartenarbeit, Tiere und Kochen. Als Kind träumte ich davon, Musikerin zu werden; angeblich hatte ich absolutes Gehör. Ich überredete meine Eltern zu Klavierunterricht, aber daraus wurde nichts. Aus dem Chor wurde ich wegen falschen Singens ausgeschlossen. Damit will ich sagen, dass ich trotz meiner introvertierten Natur neugierig auf die Welt bin. Ich spreche auch mehrere Sprachen, daher würde ich wahrscheinlich etwas finden, wenn ich heute gezwungen wäre, eine andere Arbeit zu suchen. Aber ob ich langfristig ohne Kunst funktionieren könnte, weiß ich nicht.

Eine Auswahl der aktuell verfügbaren Arbeiten der Künstlerin finden Sie hier: https://eastartstories.com/matylda_tracewska